Crédito de la foto: renedepaula via Compfight cc

Cuando a un país se le pide que como política cultural refuerce la protección del copyright, lo que indirectamente se le está pidiendo es que proteja los intereses comerciales de Estados Unidos, no la cultura nacional. A esta conclusión, entre otras, nos permite llegar la brillante y exhaustiva investigación “Piratería de medios en las economías emergentes”, cuya edición estuvo a cargo de Joe Karaganis. Con el aumento de la protección del derecho de autor, lo que se obtiene a nivel global es una formidable transferencia de ingresos en dirección Sur – Norte, que deriva del saldo comercial de los bienes protegidos: los países del Tercer Mundo son importadores netos de bienes con copyright. En cambio, cuando se flexibilizan estas normas (por ejemplo, mediante la adición de excepciones para bibliotecas y escuelas, o para personas con discapacidad) o cuando la práctica social predominante las contraviene, se genera una transferencia de ingresos en dirección Norte – Sur: la población accede libremente a bienes culturales con valor, ahorrando un dinero que luego se puede volcar a alimentación, vivienda, salud, etc. A los países del tercer mundo les conviene, en términos generales, tener leyes de derechos de autor más permisivas.

Si atendemos a la cronología del endurecimiento de las regulaciones internacionales de propiedad intelectual (en especial a las negociaciones de ADPIC, pero también se aplica al fracasado ACTA), veremos que los estados que impulsaron o forzaron esos acuerdos fueron principalmente Estados Unidos, Japón y, en menor medida, la Unión Europea. Esto es, los principales productores de conocimiento comercial. Dichos estados, a su vez, actúan en articulación con un conglomerado de industrias multinacionales y grupos de presión dependientes de ellas, que abarcan desde los gigantes del software hasta las farmacéuticas, pasando por los 3 grandes grupos de discográficas (Warner, Universal, Sony) y los estudios de Hollywood, entre otros. La estrategia unívoca consiste en amenazar con sanciones comerciales a los países que no cumplen las aspiraciones de la industria. Dentro de cada país, las cámaras empresarias y grupos anti-piratería están integradas por las filiales locales de las mismas compañías internacionales, las cuales cumplen el rol de vigilar el desempeño de los gobiernos y enviar reportes a las sedes centrales.

En ningún caso estas regulaciones han surgido por interés de los artistas, de los autores, de los científicos o inventores. Lo que se ve en el campo de la cultura, más bien, es que la situación de la gran mayoría de los artistas (y sobre todo de los artistas que no son megaestrellas, los artistas locales, independientes) ha sido precaria desde siempre y sigue siendo precaria, a pesar de la gigantesca inflación de leyes represivas y esfuerzos punitivos.

Si queremos hablar en serio del problema de la sostenibilidad de los artistas, la discusión no pasa por el copyright. Debemos hablar, por ejemplo, del acceso universal a infraestructuras para la producción y la difusión cultural, de la creación de escenas culturales locales y regionales, del apoyo económico, técnico y logístico, por parte del Estado, a proyectos culturales socialmente valiosos, del impulso a un mercado doméstico de la cultura, con empresas pequeñas y medianas preocupadas por trabajar con artistas locales y por competir en el mercado con precios razonables.

Las leyes durísimas de copyright no resuelven la eterna pregunta “de qué va a vivir el artista”. En cambio, generan pérdidas para nuestros países y un escenario en el cual pesan restricciones enormes para el acceso a materiales educativos, científicos y culturales. Peor todavía, la criminalización de prácticas cotidianas, que hace que gran parte de la población cometa a diario delitos penales contra la propiedad intelectual, siembra el terreno para una peligrosa discrecionalidad en materia punitiva. Estamos ante una perspectiva de desastre en gran medida análoga a la de la “guerra contra las drogas”, que tanto daño ha hecho en América Latina. Leyes que criminalizan a enormes capas de la sociedad y que se aplican de manera selectiva contra grupos determinados por razones políticas, disputas comerciales, o como meros gestos teatrales “ejemplarizantes”.

La pregunta es ¿vale la pena?

Infografía del blog “Derecho a leer” sobre el muro de la propiedad intelectual.

Imagen: El mensaje de agradecimiento de los realizadores de “El Cosmonauta” a la comunidad.

Una noticia destacada de esta semana es el estreno, el día 18 de mayo, de la película “El Cosmonauta”. Para los que no la conocen, se trata de una película de ficción de escala comercial y presupuesto medio, financiada por crowdfunding. La producción contó con el apoyo de 4.500 fans en una campaña que duró varios años y que logró recaudar 400.000 euros, para dar como resultado una película que se exhibirá en cines y se podrá ver online o descargar por Internet. La obra tiene una licencia que, a diferencia de las clásicas advertencias de persecuciones policiales al final de los films, permitirá en este caso que el público comparta y remixe el original.

Si el estreno genera tanta atracción en el ámbito de la cultura es porque de alguna manera viene a demostrar la viabilidad de un modelo de producción cultural transparente y no predatorio. Sobre todo para un sector como el cine comercial, que, a diferencia de otros, ha sido bastante reacio a asumir prácticas culturales de código abierto. Mientras que campos como el de la música, el diseño y las artes visuales han incorporado el crowdfunding y el copyleft como un camino viable, aceptado y en ocasiones casi mainstream, en el cine comercial se ha repetido hasta el hartazgo que eran necesarios los capitales de los grandes estudios para subsistir, o que, al no poder replicar el modelo de shows en vivo, estaba condenado a muerte por la cultura de la compartición. Nada de esto está sucediendo con El Cosmonauta.

El estreno de El Cosmonauta, por tanto, habla también de la maduración de la financiación colectiva en el mundo de habla hispana. En un informe de hace unas semanas, Miquel Rodriguez Planas muestra el crecimiento interanual que se ha dado en las principales plataformas de crowdfunding de España. Hace unos meses, el FCForum analizó exhaustivamente las características, retos y obstáculos de los principales proyectos y plataformas, y arribó a recomendaciones jurídicas para potenciar los mecanismos de crowdfunding con retorno colectivo. Todo este esfuerzo de análisis se debe, a nuestro entender, a la perspectiva de que el crowdfunding se está convirtiendo en una pata cada vez más importante de la economía social de la cultura. Una economía donde se reconoce la creatividad social, se valoriza lo que es necesario para la comunidad y se aporta al procomún.

Como en Ártica esta transformación nos apasiona, desde siempre hemos contribuido a proyectos que nos gustan y también hemos entrevistado a artistas que hicieron campañas de crowdfunding. Este año decidimos llamar a dos de las personas que más saben de este tema, Cristina Riera y Héctor Muñoz, y realizar junto a ellos un curso online donde se acompañará a los participantes en el diseño y la planificación de sus campañas de financiamiento colectivo. Un dato importante relativo al crowdfunding es que de todas las campañas lanzadas, aproximadamente el 50% logra alcanzar la meta de recaudación. Para lograr el objetivo no solamente hace falta una buena idea, sino también contar con un presupuesto acorde, un plan de implementación, una buena estrategia de comunicación y la definición de cuáles serán las recompensas y retornos para quienes aportaron y para la comunidad en general.

En el curso online “Crea tu campaña de crowdfunding” los participantes trabajarán sobre estas tareas. El curso comienza el miércoles 22 de mayo y la inscripción se encuentra abierta. Pueden pasar por aquí para leer la información completa e inscribirse.

Para quienes se inscriban, tenemos una promoción especial: con la matrícula en el curso de crowdfunding se podrá realizar gratis uno de los cursos del ciclo de formación para emprendedores culturales, a elegir entre: Crea tu proyecto cultural con WordPress, Internet para la promoción y venta de obras de arte o Introducción al e-learning para el arte y la cultura.

¡Los esperamos!

Crédito de la imagen: giulia.forsythe via Compfight cc

En un post reciente del blog Hack Education, Audrey Watters hace una crítica de la tendencia reciente de la startup educativa Coursera (la más grande proveedora de cursos masivos en Internet) a brindar una oferta no tan abierta como uno esperaría de sus “cursos online masivo y abiertos”, o MOOCs.

La noticia que propició el post de A.W. fue el anuncio de una alianza entre Coursera y distintas editoriales para ofrecer los materiales de sus cursos a través de un lector electrónico, con el uso de DRM. Esto quiere decir que los estudiantes no van a ser capaces de copiar, compartir o imprimir los materiales con los cuales estudian, y que el acceso a los mismos se va a bloquear cuando termina el curso.

Si bien el anuncio ya es bastante shockeante de por sí, la autora del post hace un repaso de otras características preocupantes de estos cursos. Entre otras cosas, señala:

- La tendencia de muchos profesores a incluir entre los materiales libros físicos o digitales escritos por ellos mismos que los alumnos deben comprar.

- La asociación de Coursera con editoriales que publican bajo copyright puro y duro, en lugar de utilizar materiales con licencias libres, mucho más adecuados para la educación.

- La intención de rastrear masivamente el uso que los estudiantes hacen de los materiales que cargan en sus e-readers.

- La deliberada tendencia a restringir la actividad de los alumnos, para que las interacciones se desarrollen únicamente dentro del sitio. De hecho, los términos de uso del sitio prohiben compartir materiales fuera de él. Y el “código de honor” dice que los alumnos no publicarán las soluciones de las tareas y ejercicios, tanto si fueron brindadas por los profesores como si las realizaron los propios alumnos.

Todas estas características tienden a pervertir, de algún modo, el concepto original de los MOOCs, que fueron ideados por Stephen Downes y George Siemmens desde un enfoque educativo liberador, el conectivismo, que invita a aprender a través de las conexiones realizadas en la web.

En estos MOOCs auténticos, el aprendizaje se da en una plataforma abierta que es la misma web. El objetivo es que los participantes no estén en un sitio único. Por el contrario, la idea es que recorran otros sitios web, blogs, redes sociales, etc, y que pongan en común los hallazgos con sus compañeros. Así, cada participante crea su propio entorno personal de aprendizaje, que es único e irrepetible, pero al mismo tiempo compartible con otros. Con la guía de los tutores que le dan un marco de partida al tema de estudio, facilitan la reflexión, comentan las intervenciones de los participantes y brindan una narrativa al curso, el curso funciona como un facilitador para nuevos nexos entre conceptos y entre personas. La experiencia del curso, en algún punto, se infiltra en la web y genera interacciones con gente que tal vez no realiza el curso, pero que se encuentra dentro del mismo campo de conocimientos. La medida del éxito es que al final del curso, cada participante haya aumentado su red.

El concepto que subyace es que las redes de ideas y las redes de relaciones son dos caras de la misma moneda. Cuanto más interactúo con gente que sabe del tema que quiero aprender, más aprendo de ese tema, y cuanto más aprendo de ese tema, más puedo interactuar (y en mayor pie de igualdad) con los colegas que voy conociendo.

Es esta idea de MOOCs la que nos gusta en Ártica y la que nos guía cuando pensamos en actividades online abiertas a la comunidad. A medida que aprendemos, vamos también experimentando con distintas dinámicas y herramientas en nuestros MOOCs, desde centrar la participación en los blogs de los alumnos, hasta crear grupos de colaboración en las redes sociales, pasando por combinar las actividades online con eventos presenciales.

En suma, creemos que los MOOCs, en su enfoque conectivista, son una gran idea y tienen una larga vida por delante. A pesar de la tendencia de Coursera a tratar a los alumnos como meros usuarios y encerrarlos en su sitio web, existe un amplio movimiento en torno a la educación abierta que puede seguir construyendo sobre prácticas sólidas.

Crédito de la imagen: faith goble via Compfight cc

Hoy 3 de mayo Mariana participó en el programa de radio UNanálisis, de la Universidad Nacional de Colombia. El tema del programa fue la tensión entre creatividad y propiedad intelectual. Mariana se refirió a la naturaleza social de la creatividad y a la forma en que la web interviene en este proceso. El énfasis de su intervención estuvo puesto en que los conceptos de creatividad y propiedad intelectual no son de ningún modo equivalentes, reafirmando algunas ideas planteadas hace unos días en el hangout “La creatividad del futuro”. Además habló de la experiencia de Ártica, un proyecto cultural sostenible en tiempos digitales. Luego la charla derivó en otros temas, como las regulaciones de Internet y la libertad de expresión. El programa contó también con la presencia de Luisa Guzmán (Fundación Karisma), Luis Fernando Medina (Universidad Nacional de Colombia), David Ramírez (Red Pa Todos) y otros invitados vía telefónica.

Click aquí para escuchar el audio del programa

La intervención de Mariana se da entre los minutos 29:15 y 50:50.

Foto: dysturb via Compfight cc

A fines del siglo XX los curadores eran personas con conocimiento y reputación que seleccionaban el menú de salas de arte y exposiciones. Pero en el siglo XXI, ¿quién decide y con qué criterios un menú cultural? La cuestión es que cada día esa tarea es más personal y recae en cada cual decidir cómo navegar y eventualmente profundizar en alguno de los innumerables contenidos de la web. Hoy nos encontramos con una nueva acepción del término curator, extraña al ámbito del arte, pero con muchas cosas en común. Sabemos que el curador de una exposición es alguien que busca, al mismo tiempo, mostrar su punto de vista personal y satisfacer una demanda social de conocimiento. En este sentido, su trabajo consiste en entender las tendencias más importantes dentro de un área para mostrar allí lo más relevante. Pero también es importante, en otras ocasiones, que el curador trabaje en hacer visible lo emergente, sacar a la luz lo que puede estar escondido o invisibilizado. Esta actividad de curación se traslada hoy a la web, un espacio de abundancia informativa como nunca había existido en la historia.

Se puede decir que el content curator es una persona muy capacitada para seleccionar y recomendar contenidos en ese océano interminable de información. Pero es más que eso, su tarea es compleja y tiene muchas aristas.

El content curator:

- no muestra contenido de un único emisor sino que tiene fuentes numerosas y diversas, las cuales selecciona y combina para generar conocimiento a partir de esa información;

- filtra y pone foco: no consume todo el tiempo de todas las fuentes de información sino que focaliza en las más relevantes;

- hay momentos en los que “surfea” por la web y otros en los que “bucea” en profundidad, cuando considera que hay algún tesoro escondido y vale la pena la inmersión;

- presenta de forma resumida e interesante el resultado de su investigación: no se limita a reenviar un material, sino que lo reelabora pensando en su comunidad (esto es, qué sentido adquiere ese conocimiento para esa comunidad en particular) y aporta una mirada crítica como valor agregado;

- trabaja, por lo tanto, para ofrecer contenido que genere engagement con su comunidad, logrando que éste sea difundido y apreciado.

La curación de contenidos: una habilidad transversal

La curación de contenidos en cultura no es tanto una nueva profesión como una habilidad transversal a diversas profesiones de la comunicación, una competencia para una diversidad de posibles actividades profesionales donde el filtrado y compartición de información es necesaria. Veamos algunos ejemplos sobre cómo puede aplicarse esta habilidad en distintos ámbitos del sector cultural:

- Los artistas pueden mejorar sus capacidades para encontrar información en la web, pueden conocer mejor sus oportunidades y estudiar el mercado. Además, y esto es fundamental, pueden comunicarse mejor con su audiencia, mostrando sus fuentes de inspiración y compartiendo sus investigaciones creativas. Ejemplo: el cantautor argentino Lisandro Aristimuño selecciona cada mes un conjunto de canciones de otros músicos a quienes quiere destacar en una sección de su web llamada Música Sin Fines de Lucro. En este sentido, Aristimuño es conocido no sólo por sus propias canciones, sino también por ser un incansable recomendador de música que tiene la potencialidad de transformar a sus fans en una comunidad de compartición de gustos y afinidades musicales.

- Los comisarios o curadores de arte podrán mostrar su trabajo en todo momento y lugar en Internet, sin depender de salas de exposiciones y galerías. Y cuando dispongan de estas, tendrán nuevos y refrescantes criterios sobre lo que está pasando en sus nichos dentro del mundo del arte. Serán capaces, además, de “salvar” joyas que tiene la Internet y que podrían pasar inadvertidas por falta de atención en los circuitos de arte convencionales, aportando frescura y diversidad a los mismos. Ejemplo: The Jealous Curator, un blog que, bajo la consigna de “siento celos de…” destaca a los artistas que más le gustan a su autora.

- Community managers culturales generarán más entusiasmo, pasión y compromiso en comunidades en línea. Seleccionar y difundir la buena información de tu comunidad es una forma de recompensarla y mantenerla motivada. A su vez, detectar para ellos información interesante genera mayor atención y mejora la presencia de tu proyecto cultural, que se convertirá en un punto de referencia. Menos “autobombo” y más generosidad son actitudes que agradarán a tu comunidad.

- Los periodistas culturales y críticos de arte pueden encontrar y documentar tendencias actuales y futuras. No sólo las grandes tendencias mediáticas que se muestran en la superficie, sino también aquellas más recónditas y desconocidas, pero no por ello menos relevantes. Esto les reportará mayor credibilidad y reputación, ya que siempre estarán seguros de contar con fuentes fiables en lugar de seguir tendencias aparentemente relevantes pero quizás engañosas. Un excelente ejemplo de periodismo cultural dedicado a documentar un área en la que la información es enorme pero dispersa es “El arte en la edad del silicio”. Este blog, de Roberta Bosco y Stefano Caldana, se enfoca en arte, tecnología y nuevos medios. No sólo destacan lo más nuevo o las grandes exposiciones, sino que en cada post hacen un gran trabajo de contextualización y análisis histórico.

- Los investigadores podrán enfocarse en sus temas de investigación y gestionar la abundancia de datos con la que se encuentran, para poder quedarse con lo relevante dentro de su campo de estudio. Pero al mismo tiempo, pueden mantenerse objetivos y alertas acerca de tendencias alternativas, que podrían ser disrruptivas. Ejemplo: el blog Remix Theory de Eduardo Navas es un excelente ejemplo de un investigador mostrando sus hipótesis y hallazgos, en este caso, sobre la cultura remix.

- Bibliotecarios, documentalistas, responsables de archivos, museos y centros de arte, tendrán herramientas para compartir y presentar los contenidos que manejan de forma más atractiva, generando mayor engagement en el público. Proyectos como Comunidad Zoom, dedicado al cine, muestran que no sólo es importante agregar la mayor cantidad de películas posibles en su portal, sino que es necesario hacerlo con criterio y desde una cierta mirada, compartida con su comunidad cinéfila.

- Los blogueros tendrán más y mejores fuentes de las que nutrirse, lograrán un mayor diálogo con la gente relevante en los temas elegidos, comentarán noticias y opiniones interesantes de otros blogs, entrarán en debates e intercambios, contribuirán con mayor cantidad de links a una blogósfera más rica y fértil. Por que como alguna vez dijo Enrique Dans, no se bloguea con la cabeza, se bloguea con los pies.

Curso online: El content curator en la cultura

Por todo esto, la curación de contenidos es casi un arte, un arte que puede aprenderse. Desde Ártica hacemos un esfuerzo todos los días por ser buenos curadores de contenidos, ya que como un lugar de formación, es importante para nosotros compartir recursos educativos y fomentar el aprendizaje, dentro y fuera de nuestra aula virtual. Pero como queremos profundizar en esto, ofrecemos un curso online para desarrollar a conciencia la habilidad del content curator cultural. No porque creemos que esta sea una nueva tendencia que podría definir el futuro, sino porque es una habilidad requerida en el presente. El curso se llama “El Content Curator en la cultura: aprovechando la información de la red para dar vida a proyectos culturales”. Los docentes seremos Pilar DM, Jorge Gemetto y quien aquí escribe. Comenzamos el 15 de mayo y la inscripción se encuentra abierta.

Gente interesada en la democratización de la cultura: estén atentos porque el próximo 30 y 31 de mayo se estará realizando en Quito, Ecuador, el II Congreso Internacional de Cultura Libre. El programa de charlas es muy completo, con disertantes de toda Iberoamérica, y estará centrado en dos temáticas. El primer día se hablará sobre “Cultura libre y expresiones culturales”, mientras que el segundo día el foco estará puesto en “Educación y cultura libre”.

El día 30 estaremos presentes en el Congreso con una charla cuya consigna es: “Gestión pública de la cultura en tiempos digitales”. El título es deliberadamente atrevido. Quienes nos conocen, saben que nuestro énfasis cotidiano ha estado siempre en el trabajo con artistas, gestores y productores culturales, y no tanto en las políticas públicas. Sin embargo, en esta oportunidad nuestra apuesta es dirigirnos a los hacedores de política pública y contarles, desde el movimiento artístico-cultural, cuáles son las demandas de muchísimos ciudadanos y artistas jóvenes que desde hace años están instituyendo una nueva forma de crear y compartir cultura. Muchísima gente que, a través de sus prácticas y discursos, demandan una verdadera democratización del conocimiento.

Vamos a cuestionar algunas ideas corrientes que se suelen promover en organismos públicos de muchos de nuestros países acerca de las políticas culturales, y vamos a presentar alternativas interesantes:

- Promoción de industrias culturales vs. fomento de la economía social de la cultura.

- Cultura como consumo vs. cultura como derecho.

- Empresarialización de la cultura vs. facilitación de la autogestión y la innovación social basadas en la cultura libre.

Además, vamos a contar ejemplos de acciones concretas que se vienen realizando en distintos países para favorecer el acceso y promover la diversidad cultural.

No podemos estar más honrados por la invitación al Congreso de Cultura Libre de Quito, ya que Ecuador es uno de los países que más en serio se ha tomado la consigna de democratizar la cultura, impulsando el desarrollo cultural como una prioridad del Estado y el conocimiento como un bien público.

Desde ya, los invitamos a dejar comentarios y opiniones en este post, para comenzar a debatir desde unas semanas antes del Congreso, acerca de cuáles son las prioridades y énfasis que les pediríamos a nuestros representantes a la hora de llevar adelante políticas culturales.

Los invitamos este viernes 26 de abril a un nuevo evento abierto en el que estaremos participando. En este caso se trata de una charla online donde debatiremos sobre la creatividad del futuro junto con nuestros amigos de Creative Commons Argentina, Fundación Vía Libre, Derechos Digitales, Red Pa Todos y Fundación Karisma. Aprovechando que la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI) conmemora el día de la propiedad intelectual con el lema “Creativity: The Next Generation”, esta charla intentará poner en perspectiva, de modo crítico, el rol de la OMPI con respecto a la creación cultural. Además, hablaremos sobre los derechos de acceso a la cultura y a la diversidad cultural. Nuestro aporte desde Ártica al debate vendrá por el lado de la producción artística y la gestión cultural: aportaremos nuestra experiencia sobre cómo compartir beneficia a los artistas independientes y estimula la creatividad social.

El evento tiene lugar el 26/4 a las 13 hs de Colombia y México, 15 hs de Chile, Argentina y Uruguay, y 20 hs de España. Para ver la transmisión de la charla, simplemente tienen que entrar en el horario indicado a este mismo post (la emisión original será desde http://www.internetactiva.net). La conversación se extenderá también a través de los comentarios del post y de Twitter. Los participantes en el hangout serán:

- Carolina Botero, Manager Regional de Creative Commons. Fundación Karisma, Colombia.

- Pilar Sáenz, de Red Pa Todos, Colombia.

- Claudio Ruiz Gallardo, Manager Regional de Creative Commons. Derechos Digitales, Chile.

- Beatriz Busaniche, de Fundación Vía Libre, Argentina.

- Evelin Heidel, de Creative Commons Argentina.

- Mariana Fossatti, de Ártica.

Pueden leer la información completa de la charla en el sitio de Fundación Vía Libre.

¡Los esperamos!

Tiranos Temblad es una serie web creada por Agustín Ferrando bajo el lema: “otra semana en Uruguay”. Se trata simplemente de eso: una selección de los acontecimientos del país que fueron registrados en YouTube durante una semana. La búsqueda “Uruguay” + “this week” arroja varios cientos de videos de los cuales Agustín selecciona y recopila los más interesantes. Luego los remezcla en ocho minutos que se hacen adictivos y entrañables. Un éxito de Internet del que todo el mundo habla, aunque quizás solamente acá, en Uruguay. Con este post quisiera al menos generar curiosidad más allá de las fronteras, analizando este brillante exponente de la cultura remix amateur en Internet basado en la idea de que “hay que hacer algo con este material” disperso en YouTube.

Tiranos Temblad

Para entender este post es imprescindible ver al menos un capítulo de la serie. Vale la pena dedicar ocho minutos:

Éste es el capítulo 17 (el último al momento de escribir este post), pero los anteriores se pueden ver en el canal de YouTube de Tiranos Temblad.

Además, se puede seguir el proyecto en Facebook y Twitter.

Cultura amateur: un hobby serio

Agustín Ferrando hace Tiranos Temblad como un “hobby serio”: una actividad creativa centrada en hacer lo que a uno le gusta, pero con la seriedad necesaria como para asumir el compromiso de hacer un capítulo semanal, sin falta. A pesar de haber recibido ofertas, AF no quiere producir la serie profesionalmente ni generar un formato vendible a la televisión. El valor está en el hacer mismo: “fue una idea que la pensé y enseguida me la puse a hacer”, ha dicho en varias entrevistas. Hacer y aprender, mejorar el producto a medida que se hace, permitirse experimentos y hallazgos, es un valor de la creatividad amateur y la cultura hacker.

Agustín destaca que “Internet democratizó el modo de hacer”, porque no hace falta nada más que tener la idea y llevarla a cabo sin pedir permiso a nadie. No es que esto garantice después el éxito de la idea (de hecho él viene haciendo “cosas” audiovisuales que no han tenido una repercusión comparable a Tiranos Temblad). Pero se puede decir que lo que para una producción televisiva sería el piloto a ser evaluado antes de su lanzamiento, en la cultura amateur de Internet es el  programa mismo. Se trata, en palabras de Ferrando, de “un proceso rápido, individual, caprichoso, basado en el aburrimiento”. Es decir, en la necesidad de hacer “algo” con el exceso de tiempo y creatividad, una vez que las herramientas necesarias ya están dadas.

Curación como tarea creativa

Tiranos Temblad se trata de hallar “lo relevante dentro de lo irrelevante”, en palabras de su creador. La recopilación de TT abarca desde videos sin sentido subidos casi por accidente (“el video al pedo de la semana”), hasta producciones amateur muy elaboradas (videos se zombies, clases de maquillaje, versiones del Harlem Shake). Se trata de una tarea de curación creativa basada en la necesidad de seleccionar, separar y jerarquizar algunas cosas en el caos que es Internet. Rescatar lo que de otro modo podría perderse por falta de un contexto que le dé relevancia, fragmentos que pertenecen a la vida cotidiana y que siguen su flujo, a menos que sean rescatados. Para lograrlo hay que ver muchos videos por día, decidir con cuáles quedarse, relacionarlos y cortar y pegar según un criterio absolutamente personal. Es que en el remix la recopilación es la obra misma, el nuevo contexto y el discurso construido con todas esas piezas es lo que le confiere su valor.

Un producto para Internet en clave TV

Agustín se confiesa un fanático de la TV, alguien de una generación formada en el visionado de horas y horas de tele. No es el único artista de remix que apoya su trabajo en la experiencia de ser un espectador televisivo. Por ejemplo, Jonathan McIntosh de Rebellious Pixels ha dicho en algún lado que todo se trata de tener tiempo y un televisor. Pero es curioso, a su vez, cómo AF defiende a Tiranos Temblad en tanto “un producto para Internet”.

El programa tiene algunas características que lo hacen muy compatible con la tele, ya que puede alcanzar un target muy amplio: es atractivo para todas las edades y gustos. Se puede decir que conecta a diversos públicos a través de cosas básicas y reconocibles por todos: el humor, la ternura, las cosas sencillas. Sin perder, no obstante, inteligencia y sutileza, lo que diferencia a TT de cualquier programa de recopilación de bloopers, cosas bizarras o videos de gatitos (de vez en cuando aparece algún posible lolcat, como el gato bocina del episodio 17, pero el programa no se basa en esto).

Los acontecimientos de la semana se mezclan y se pone al mismo nivel los episodios públicos y las historias mínimas: la celebración de una fiesta típica, la votación del matrimonio igualitario en el Parlamento, el cumpleaños de un niño cualquiera, la crónica de algún turista, la cosecha de un zapallo gigante, un perro que se siente amenazado por un manojo de globos y luego los enfrenta, etc. De esa forma, resignifica el concepto mediático de acontecimiento.

Además de algo muy divertido de ver, Tiranos Temblad no deja de ser un análisis crítico de los medios, de la forma en que se seleccionan y se ponen en escena las noticias, redefiniendo qué es lo interesante, qué es lo que vale la pena contar.

Volvemos al tema del financiamiento

Hace una semana, en el post anterior, decíamos que es un error no plantearse la sustenbilidad de un proyecto cultural antes de empezarlo. Hoy les traemos una prueba en contrario.

Agustín hace Tiranos Temblad porque le gusta, por puro disfrute, pese a las largas horas de trabajo que insume, sin pensar mucho en cómo sostener el proyecto en el tiempo. El origen puramente amateur y casi “oculto” de la serie determinó que saliera sin haber pensado en cómo sustentarla y sin prever su repercusión. AF admite que ganar dinero con la serie le ayudaría a garantizar continuidad y dedicarle el tiempo que necesita, pero la prioridad sigue siendo disfrutar la tarea y mantener la independencia, antes que conseguir un contrato. El proyecto es redituable en tanto satisface la necesidad de tener un espacio personal de creación que no siempre es posible en la actividad remunerada.

Desde mi punto de vista, las creaciones de Internet tienen que seguir defendiendo los valores amateurs cada vez que sea necesario, sin renunciar a explorar posibles fuentes de dinero que ayuden a mantener sus proyectos, así como seguir formándose, mostrar su trabajo y enseñar a otros. Pero mientras nosotros nos seguimos preguntando “cómo hacen” para tener continuidad, ellos simplemente lo siguen haciendo.

La repercusión en las redes sociales

Lo más probable es que el lector que sigue Tiranos Temblad lo haya conocido a través de redes sociales. No fueron las acciones planificadas del productor las que le dieron relevancia a la serie, sino el movimiento de las propias redes, el boca a oreja amplificado por Internet. Incluso la audiencia ya está interactuando con el programa: algunos videos que se suben a YouTube mencionan a TT o alguna de sus secciones con el fin de ser “levantados” en el programa. O sea que, a la lógica de amateurismo serio, curación creativa, remix y difusión en redes sociales, se suma la lógica de la colaboración del público.

Uruguay y los contenidos locales

Probablemente muchos lectores de este post conozcan muy poco de Uruguay, que es el país desde el cual trabajo y escribo esto y, por supuesto, el leitmotiv de Tiranos Temblad, cuyo título toma una frase muy particular del himno nacional. Uruguay es un país sudamericano muy chiquito, un estado tapón casi, entre Brasil y Argentina. Con tener en cuenta ese dato nada más, estoy segura de que van a entender cualquier capítulo de TT, ya que la serie se basa en la autoconciencia crítica de ser un país pequeño y un poco misterioso para los extranjeros (ver la sección que en cada capítulo recopila tareas sobre Uruguay hechas por alumnos de español de distintas partes del mundo).

Lo que demuestra Tiranos Temblad es que se pueden hacer contenidos locales exitosos en Internet, que no se necesita ser un viral mundial. Pero a su vez, cualquiera que vea el programa, uruguayo o no, puede entenderlo y disfrutarlo, pese a no compartir algunos códigos locales. En fin, con sólo ver la sección “El crack de la semana” entenderán qué significa ser un “crack”. Y tal vez, al final, entiendan por qué TT insiste en que “Uruguay es el mejor país”

Fuentes

Para escribir este post consulté varias notas y entrevistas realizadas a Agustín Ferrando:

- Tiranos Temblad, el canal de YouTube codiciado por la televisión en 180.com.uy

- Entrevista con el creador de Tiranos Temblad en Radiopasillo (audio)

- Un resumen semanal del internet uruguayo en El Observador

- Nota a Agustín Ferrando Trenchi de Tiranos Temblad en Buscadores (video)

Crédito de la foto: Cayusa via Compfight cc

La mayoría de los proyectos culturales y actividades artísticas se hacen por gusto, por pasión, por necesidad espiritual. Nunca debe dejar de ser así. La ética hacker de amor por el trabajo satisfactorio tiene que primar. Es por esto que muchas veces no se espera nada a cambio y de allí viene la idea de hacerlo “por amor al arte”. Sin embargo, lo que no es tan apasionante es gestionar el día a día, administrar, realizar tareas repetitivas pero indispensables. Además, los aspectos creativos necesitan tiempo libre de otras actividades vinculadas a ganarse el pan. Por eso se considera que artistas y creadores tienen que vivir de su actividad y contar con estructuras que los apoyen. Esto es muy difícil en el sector cultural, tanto online como offline, con la diferencia de que en el mundo digital objetos tales como libros o películas se distribuyen normalmente de forma gratuita sin generar ingresos por copia. Pero no porque la gente sea miserablemente poco propensa a pagar, sino porque el valor de una copia digital idéntica es igual a cero y porque hay mucha, mucha cantidad de contenido e información en la red que circula libremente. Es nuestra obsesión investigar y escribir sobre cómo la cultura puede prosperar en medios digitales sin sacrificar acceso y libertad. En este post analizamos algunos típicos errores que ponen en peligro la sustentabilidad económica de los proyectos culturales en el mundo digital.

0 – No tener un plan de negocios o un plan de sustentabilidad

Es el error cero porque es básico. No empieces tu proyecto sin preguntarte cómo lo vas a sostener en el tiempo. Si tu objetivo es que sobreviva, hay que hacer un plan de sustentabilidad que cubra los tiempos y gastos necesarios para que el proyecto exista por un período determinado. Si tu objetivo es generar ingresos, hay que tener un plan de negocios, o al menos un conjunto de alternativas de negocio posibles. Si esto no se hace, el resultado será un montón de trabajo y gastos por los cuales no se percibe ninguna recompensa, salvo la satisfacción de hacerlo. Si esta satisfacción es suficiente y realmente no nos queremos complicar más, entonces a disfrutar. Pero si se espera un poco más, hay que prever las posibles consecuencias de la falta de recursos: frustración personal y hasta cierto resentimiento hacia quienes supuestamente disfrutan del proyecto sin dar nada a cambio. Así que, si no quieres terminar odiando o culpabilizando a tu comunidad (la cual tiene razón en esperar cosas gratis si son gratis desde siempre), escribe un plan de negocios o de sustentabilidad desde el principio.

1 – Esperar que las donaciones lleguen solas

Poner un botón de PayPal o de Flattr no es suficiente. Si bien este es un método de generación de ingresos aparentemente pasivo hay que hacer muchas cosas específicas para que funcione. Seguramente tu proyecto cultural ya consume muchas horas de trabajo, pero hay algunas de ellas que tendrás que dedicar exclusivamente a encontrar, convencer y mimar a tus donantes. No se trata de explicar lo urgente e importante que es tu causa (el mundo se cae a pedazos y hay mil problemas urgentes en los que ayudar). Es probable que los colaboradores no se convenzan si no sienten que a) participar les reportará orgullo y alegría y b) ayudar tendrá un resultado concreto. Lo primero se logra construyendo identidad e ideología, diferenciándose de las demás organizaciones y causas, explicando lo especial, original y emocionante que es tu proyecto cultural (que sin dudas lo es). Lo segundo se alcanza llegando a tus posibles donantes con información confiable y de calidad sobre tu proyecto, a través de distintos medios por los que puedan optar, entre los que destacan: blog, newsletter, infografías y videos. Además, es importante que esta información ayude a que los posibles colaboradores aprendan cosas nuevas, se diviertan y se emocionen. Finalmente, tiene que haber datos sobre cómo la donación mejorará el proyecto y reportes periódicos sobre los resultados, agradeciendo, por supuesto, que éstos fueron alcanzados con las donaciones. En definitiva: pedir donaciones para cosas concretas y devolver a la comunidad resultados concretos. Esto nos lleva al siguiente punto, el crowdfunding. No sin antes recomendar la completa documentación de la Asociación Española de Fundraising, con materiales para planificar y gestionar campañas de donaciones.

2 – No saber qué es el Crowdfunding (o intentarlo sin saber cómo funciona)

No prestar atención al crowdfunding y desconocer cómo se implementa realmente puede significar perder una oportunidad. El crowdfunding es una forma muy especial de canalizar donaciones para un proyecto cultural. Mediante muchos pequeños aportes se pide a micro-financiadores que apoyen un proyecto concreto. Las particularidades: se realiza mediante una campaña acotada en duración (45 a 60 días por lo general), se puede participar con distintas cantidades de dinero y se ofrecen a cambio recompensas a los donantes. Por lo general si no se alcanza un objetivo, nadie desembolsa dinero y por lo tanto, el organizador de la campaña no recibe nada. Pero si el objetivo se logra, es un dinero seguro, previamente calculado para realizar determinado proyecto o parte de un proyecto. Para una campaña exitosa hay que tener detrás una comunidad entusiasta, que ayude a correr la voz y que esté deseosa de aportar, lo que se logra con mucho trabajo anterior, tal como nos contaba el artista Franck de las Mercedes en esta video-entrevista tras tener éxito en su campaña. Para saber más sobre esta modalidad que ya es famosa por los fabulosos resultados alcanzados en plataformas como Kickstarter, Lanzanos, Goteo o Ideame, en Ártica ofrecemos el curso “Crea tu campaña de crowdfunding”. ¡Te invitamos a apuntarte! Para leer en detalle cómo funciona esta modalidad, lee la guía completa que ha elaborado uno de los docentes del curso, Héctor Muñoz.

3- Ignorar los llamados a fondos concursables y subvenciones

Siguen existiendo en Europa, pese a la crisis. Aumentan en Latinoamérica, pese a años de vaciamiento de las instituciones culturales de los que nos estamos recuperando. Así que hay que estar atentos, suscribirse a fuentes de noticias (Cultunet, Hipermédula, Recursos Culturales, por nombrar sólo tres que conocemos) que difunden estos llamados en cada país y región, o crearse una alerta de Google para monitorearlos. O directamente, tener varias ideas siempre apuntadas, unas cuantas ya desarrolladas y un par de buenas carpetas para salir a darse una vuelta por los organismos que tienen los recursos. Te asombrará saber la falta que hacen los buenos proyectos, bien explicados y presentados. La cantidad de fuentes que, por invisibilidad, no se conocen. Pero todo comienza por un buen proyecto. Si escribirlo es una limitación, puedes consultar la Guía básica para la presentación de un proyecto artístico de Yamandú Cuevas. O también Cómo elaborar un proyecto cultural (y no frustrarse si no lo seleccionan) de Carlos E. García Martínez.

4-  Confiar en la publicidad como única fuente de ingresos

Seguro que esto no va a funcionar: comenzar un blog o a un medio cultural digital, publicar lo que te dé la gana, insertar publicidad de Google Adsense y ver qué pasa. Mediante ciertos juegos técnicos especializados se puede ganar dinero, pero esto no es muy compatible con temas culturales, los cuales no están, y nunca estuvieron por cierto, entre las temáticas que generan ingresos por este tipo de publicidad automática, que además no le aporta ningún valor a los usuarios y por el contrario, suele resultar molesta, restándole reputación y credibilidad al proyecto. Como no soy experta en publicidad, les dejo algunas ideas encontradas en buenos blogs de marketing digital que creo muy razonables:

“A corto/medio plazo hay que ver los ingresos por publicidad como lo que son: una pequeña línea de ingresos pasivos que se suma a tus vías principales que tienen que ser otras… Se cumple una vez más el principio tan característico de Internet de “The winner takes it all”: si tienes mucho éxito puedes ganar cantidades muy importantes de dinero y sin apenas esfuerzo, pero llegar a este punto resulta extremadamente difícil…”, dicen en Ciudadano2.0.

“Intentar encontrar anunciantes de manera proactiva es x-veces más rentable para el webmaster que los modelos automatizados. Al mismo tiempo son mucho más difíciles porque no todos los sitios web son lo suficientemente atractivos para una contratación directa”, opinan en Marketing Guerrilla.

“…tendrás que sumar las horas necesarias para gestionar estas transacciones directas (llamadas, e-mail), renovar los períodos de contratación con tus anunciantes, fidelizarlos (rebajando precios…), hacer que te paguen….” explican desde Ingresos al Cuadrado.

Como todas las cosas que funcionan realmente, la publicidad contratada requiere esfuerzos consistentes. Los proyectos culturales bien gestionados pueden ser muy interesantes para las marcas y anunciantes, pero ellos tienen que enterarse de que el proyecto existe, del alcance que tiene y de las ofertas publicitarias disponibles. A los anunciantes y sponsors hay que salir a buscarlos, dossier en mano, con datos de tráfico, suscriptores, tiempo promedio de las visitas, etc. Un miembro del equipo debería tener la mente muy puesta en eso: alguno que conozca el sector y a quien le gusten más las ventas. Siempre habrá algún freak de las ventas para ayudar a los freaks de la cultura, ¿o no?

5 – No imaginar qué servicios podrías ofrecer

Olvidarse de que somos personas con conocimientos que pueden satisfacer necesidades es un gran error. Realizar actividades no lucrativas genera aprendizaje, experiencia y buena reputación. La distribución gratuita de algún contenido que das libremente facilita que esta buena reputación se difunda. Aprovecha esto y ofrece servicios concretos: gestión cultural, elaboración de proyectos, cursos, diseño, edición, organización de eventos y viajes, actuaciones y performances, consultorías; en definitiva, experiencias únicas para clientes únicos. Esto lo puede hacer desde un artista independiente, hasta una empresa de gestión cultural o una organización o asociación. Identifica qué cosas te gustan y sabes hacer que puedan interesar a otros a través de servicios que tengan altas dosis de conocimiento y expertise, que puedan ofrecerse de forma muy personalizada, mediante relaciones estrechas e interacciones profundas. Ofrecer contenido gratis y vender servicios como consultoría y cursos es lo que hacemos en Ártica, con la satisfacción de generar ingresos genuinos para todo un equipo de expertos y docentes, más la gratificación de pasarnos el día compartiendo y conversando. Nos gusta leer, escribir, investigar y enseñar. Le ponemos el cuerpo, aunque sea a distancia.

Conclusión

No hay una receta única para generar ingresos en el sector cultural, en tanto que la economía digital sigue siendo un espacio a explorar en el que todavía no se consolidan modelos de negocio. Así que todo es experimentar y evaluar, hasta dar con lo que mejor se adapta a tu proyecto. En el corto plazo: hacer pequeños experimentos, medirlos y validarlos, quedarse con lo que funciona. En el largo plazo: plantearse objetivos ambiciosos pero tener mucha paciencia.

Un extra: recompensas sin pago

La economía colaborativa se complementa fuertemente con la economía comercial, como dice Lawrence Lessig en Remix. La rentabilidad de un proyecto cultural no se mide necesaria y únicamente en generación de ingresos. Es más, “rentabilidad” puede no ser un indicador apropiado en absoluto. Un link, un tweet, un buen comentario, son también pequeñas grandes recompensas y reportan beneficios aunque no sea en forma de pago. Si quieres apoyar un proyecto pero no tienes dinero, pasa la voz, ayuda a que se difunda. Si estás impulsando y gestionando un proyecto, no dejes de trabajar en formar y alimentar a la comunidad que es, en definitiva, la que lo sostiene.

Hernán Casciari. Foto: Danny Caminal, publicada en La Diaria.

«Orsai es una revista que distribuyen sus propios lectores y sus ediciones no se venden sueltas. Muchas gracias». Así le respondió Hernán Casciari por mail al sindicato de quiosqueros de Argentina, al recibir la solicitud de 50.000 ejemplares de un número de 2012 de la revista Orsai cuyo tiraje iba a ser de 6.000 ejemplares. Casciari rechaza así convertir su revista en un negocio enorme y con ello, elige no sacrificar las bases de la comunidad sobre las que se sustenta. ¿Es tan sólo una cuestión de principios? Sí que se trata de principios, sobre todo el principio de seguir haciendo lo que a uno le gusta, tal como a uno le gusta. Pero también refleja que la escala de un emprendimiento cultural exitoso no es necesariamente la de los grandes negocios editoriales. Para quienes no la conocen, Orsai es una publicación cultural que se imprime según la demanda de los lectores, quienes se suscriben anualmente para recibirla en sus casas o para distribuirla a su vez, de lector a lector. Cuando la revista sale a la calle, impresa, ya ha sido costeada la tirada completa.  En definitiva, es un claro ejemplo de crowdfunding. A su vez, la revista se puede descargar gratuitamente en pdf, siendo posible leerla en tablets. El emprendimiento se caracteriza por un trato justo con los colaboradores y lectores, transparencia total y respeto profundo por la comunidad que lee y comenta Orsai número tras número. Para entenderlo bien, nada mejor que ver al propio Casciari hablando del proyecto y de “cómo matar al intermediario”.

Pero supongamos por un momento que Orsai hubiera cerrado trato con los quiosqueros. En primer lugar, se hubiera embolsado medio millón de dólares, según cuenta Casciari. Podría uno rechazar esta oferta quizás por falta de ambición personal, pero cabría perguntarse si el emprendimiento no merecía reunir ese dinero para hacer algo más grande, para crecer y expandirse de la forma tradicional, como suponemos que “debe ser” la vocación de todo negocio.

Vender a través de una red centralizada y monopólica de distribución, llegar al público masivo pudiendo pagar centavos a ansiosos colaboradores que ven en Orsai un estupendo escaparate y aceptar la tentación de los anunciantes… todo esto es posible para la revista. ¿Por qué decir que no? La respuesta está en la necesidad de manejar una escala óptima de producción, que es la que explica no sólo el éxito, sino la sustentabilidad de una publicación que es capaz de mantener intacta la promesa que alguna vez hizo a los lectores y continuar siendo un proyecto personal. Como dice Hernán:

Estos proyectos del siglo veintiuno, basados en comunidades que confían, tienen que ser transparentes y mantenerse, dentro de lo posible, en círculos pequeños y con lectores reconocibles. El día que no podamos responder personalmente un mail a nuestros lectores estamos fritos, porque ya no seremos lo que queríamos ser.

Orsai es un proyecto amateur, una empresa familiar en comunicación directa con seis o siete mil amigos. Cualquier giro oscuro, cualquier mínima traición a las promesas iniciales, le rompería el corazón a los que confiaron en nosotros.

Un emprendimiento cultural que se expande de lector a lector, es un emprendimiento P2P que no requiere de una estructura muy grande para funcionar. Como dicen nuestros amigos de Las Indias (a quienes nos atrevemos aquí a interpretar y espero que lo estemos haciendo correctamente, cualquier cosa nos avisarán):

la clave está en la sustitución de escala por alcance. Y el alcance a las finales tiene que ver con la potencialidad de las redes distribuidas y la capacidad de cada cual para crear conocimiento y cohesión a partir de ellas.

Lo que necesita en proyecto como Orsai es una comunidad vibrante que dispone de una red de comunicación, de ideas y de afectos para pasar la revista de mano en mano. Ya sea mediante las ventas de pequeñas cantidades de la revista en papel (con tipo de celulosa votado por los lectores) a través de los 227 distribuidores en 193 países, ya sea retwiteando el acceso al pdf gratuito, Orsai crece, sin necesidad de grandes inyecciones de capital y sin depender de grandes jugadores de la industria cultural.

Por cierto, ya está disponible el pdf del número 12 de Orsai, correspondiente a marzo y abril de 2013.